Comentario de Germán Serain:
Toda obra de arte posibilita -se diría que por definición- diferentes interpretaciones y perspectivas desde las cuales ser abordada. La oración que da pie al Stabat Mater supone -de más está decirlo- una connotación penosa. Se trata de una descripción del dolor de María, la madre de Jesucristo, al contemplar la agonía de su hijo durante la crucifixión. Sin embargo, hay entre líneas, en la mirada musical que propone Gustavo Fedel, algo que se ubica más allá del dolor. Después de todo, debe considerarse que el padecimiento de Jesucristo, desde el punto de vista de un creyente, supone la concreción de un plan que ya estaba trazado de antemano por fuerzas más poderosas que las voluntades de los hombres. Incluso quienes mancharon sus manos con la sangre del Cristo en cierto modo pueden ser vistos como instrumentos necesarios para que el fiel cumplimiento de aquel plan divino llegase a término, con aquel sacrificio concebido como un camino de redención para la humanidad en su conjunto. De manera que sí, en la obra de Fedel está presente la expresión de un dolor que es intrínseco a la naturaleza del tema que se trata. Pero también existen elementos adicionales que manifiestan otras dimensiones, tanto en lo que hace al trasfondo conceptual y trascendente de este Stabat Mater, como en lo relativo al equilibrio que media entre los ejes de la tradición y la modernidad.
Este balance también puede apreciarse en la Sonata Cromática, que completa el material incluido en este disco. Se trata de una obra que resulta al mismo tiempo acorde al formalismo académico y desafiante de las normas. Algo que al parecer resulta propio de la naturaleza de este compositor, que silenciosamente forma parte de lo más valioso del acervo contemporáneo musical argentino.
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Comentario de Pablo Saraví:
A lo largo de varios siglos, muchos compositores han tomado el texto del Stabat Mater para crear música inspirada en el profundo dolor de la madre que contempla a su hijo muerto en la cruz. He aquí un nuevo Stabat Mater. ¡Y qué bello es! Vienen a mi mente las creaciones de Pergolesi, Vivaldi, Haydn, Schubert, Rossini, Dvorak, y luego los de Kodaly, Poulenc y más recientemente Arvo Pärt, por citar sólo algunos (una lista completa sería imposible y además innecesaria). Algunas de estas obras han logrado calar hondo en el espíritu de sus oyentes, tanto por el tema como por la inspiración de sus autores. Pues bien, el Stabat Mater de Gustavo Fedel, pianista y compositor argentino de gran talento artístico y oficio, logra conmover y hacer vibrar fibras sensibles del alma. Y esto lo hace echando mano a recursos tradicionales –sabia decisión-, utilizados con gran destreza e inteligencia, además de gran inspiración. Ya desde un comienzo, con la doliente y patética tonalidad de Fa menor, tenemos un pórtico anunciando la desgarradora escena que da nombre a la composición. A lo largo de la obra y con cada frase inspiradora podremos caminar, de manera imaginaria, cerca de la Virgen con su corazón desgarrado por las espinas del dolor. Una grabación como la que tenemos aquí es un buen punto de partida para que una obra como ésta, ciertamente bien escrita, pueda llegar a ser conocida en muchos lugares y ser ofrecida -como corresponde- en concierto. Es mi ferviente deseo que así sea.
En cuanto a la obra que completa este disco, cuando Gustavo Fedel me habló de una sonata para corno inglés, viola y piano, me pareció una extraña combinación, por no decir casi extravagante. Pero pronto me di cuenta de que la idea del compositor estaba bien calculada. Justamente, la combinación de los timbres de viola y corno inglés se conjuga perfectamente y es así que grandes compositores como Rachmaninoff, Ravel, Vaughan Williams y otros, utilizaron frecuentemente estos dos instrumentos unidos para dar color a parte de sus obras sinfónicas. De hecho, sus tesituras son cercanas y casi equivalentes. La Sonata Cromática está integrada por los habituales tres movimientos. Lo que no es habitual es la forma del primero, formado por variaciones escritas sobre el adagio de inicio, de corte melancólico, casi contemplativo. Las sucesivas transformaciones de carácter y ritmo, sumadas al uso profuso del cromatismo (que da lugar al título de la obra), nos van ofreciendo una especie de collage musical en torno a ciertas ideas que se repiten. Son como imágenes sonoras y de allí que el movimiento lleve el título –acertadamente– de Pinturas argentinas. El segundo movimiento es de carácter sencillo y eminentemente lírico, a la manera de un aria o canción, de bella factura. Luego, un rondó titulado Variaciones armónicas sobre un Rondó de Mozart nos devuelve al mundo del cromatismo, que encontramos en cada nuevo episodio o variación. Cerca del final, y antes de que el tema de Mozart aparezca por última vez, se escuchan pequeñas cadenzas a cargo de los tres instrumentos. En suma, se trata de una obra fresca y novedosa, planteada a través de una rigurosa escritura tradicional. Con relación a la viola que utilizo en esta grabación, cabe destacar que fue construida en 1991 en Cremona, Italia, por el luthier argentino Eduardo Ángel Gorr. Este instrumento, manufacturado sobre un modelo del florentino Alfredo Del Lungo, fue acreedor, ese mismo año, al máximo galardón en su categoría otorgado en el VI Concurso Internacional Trienal Antonio Stradivarius.
credits
released July 1, 2019
Grabado y masterizado en Estudios LG y EPG, Buenos Aires, entre marzo y mayo de 2019. Ingeniero de sonido: Arturo Lamm - Asistente técnico: Germán Lamm. Mezcla de audio: Arturo Lamm, Santiago Olivera y Gustavo Fedel. Diseño gráfico: Germán A. Serain (dosmundosmail@yahoo.com.ar). Gustavo Fedel toca en un piano de gran cola Gerh Steinberg afinado por Ricardo Quintieri.
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